지지씨 기관 회원 가입 안내
경기도내에 위치한 국공사립 문화예술기관, 박물관, 미술관, 공연장 등 도내의
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지지씨플랫폼 운영 가이드
지지씨는 회원 여러분의 게시물이 모두의 삶을 더욱 아름답게 해 줄 거라 믿습니다. 경기문화재단은 여러분이 작성한 게시물을 소중히 다룰 것입니다.
제1조(목적)
본 가이드는 재단법인 경기문화재단의 ‘온라인 아카이브 플랫폼 지지씨(www.ggc.ggcf.kr. 이하 ‘지지씨’)’의 기관회원(이하 ‘회원’)의 정의 및 권리와 의무를 규정하고, 회원의 생산자료에 관한 기록 저장과 활용에 관한 내용을 규정함을 목적으로 합니다.
제2조(정의)
본 가이드에서 사용하는 용어의 정의는 다음과 같습니다.
① ‘지지씨’는 경기도 소재 문화예술기관의 생산자료 등록과 확산을 위해 경기문화재단이 운영하는 온라인 아카이브 플랫폼입니다.
② ‘회원’이란 소정의 가입 승인 절차를 거쳐 지지씨 글쓰기 계정(ID)을 부여받고, 지지씨에 자료 등록 권한을 부여받은 경기도 소재 문화예술기관 및 유관기관을 의미합니다.
‘생산자료(=콘텐츠)’란 ‘회원’이 지지씨 플랫폼 상에 게재한 부호, 문자, 음성, 음향, 그림, 사진, 동영상, 링크 등으로 구성된 각종 콘텐츠 자체 또는 파일을 말합니다.
제3조(가이드의 게시와 개정)
① 경기문화재단은 본 가이드의 내용을 ‘회원’이 쉽게 알 수 있도록 지지씨 플랫폼의 기관회원 등록 안내 페이지에 게시하여, 자유롭게 내려받아 내용을 확인할 수 있도록 합니다.
② 본 가이드는 경기문화재단의 온라인 플랫폼 운영 정책 및 저작권 등 관련 법규에 따라 개정될 수 있으며, 가이드를 개정, 적용하고자 할 때는 30일 이전에 약관 개정 내용, 사유 등을 '회원'에 전자우편으로 발송, 공지합니다. 단, 법령의 개정 등으로 긴급하게 가이드를 변경할 경우, 효력 발생일 직전에 동일한 방법으로 알려 드립니다.
1. 본 가이드의 개정과 관련하여 이의가 있는 ‘회원’은 탈퇴할 수 있습니다.
2. 경기문화재단의 고지가 있고 난 뒤 효력 발생일까지 어떠한 이의도 제기하지 않았을 경우, 개정된 가이드를 승인한 것으로 간주합니다.
제4조(회원자격 및 가입)
① ‘지지씨’의 ‘회원’은 경기도 소재 문화예술기관과 유관기관으로 합니다. ‘회원’은 글쓰기 계정을 부여받은 후 지지씨에 생산자료를 등록하거나, 게시를 요청할 수 있습니다.
② ‘지지씨’의 가입 신청은 지지씨 누리집에서 가능합니다. 회원가입을 원하는 기관은 계정 신청서를 작성, 가입 신청을 할 수 있습니다.
1. 회원가입을 원하는 기관은 지지씨에서 내려받기 한 ‘온라인 콘텐츠 플랫폼 지지씨 계정 신청서’를 지지씨 공식 전자메일(ggc@ggcf.kr)로 제출, 승인 요청을 합니다.
2. 한 기관에 발급되는 계정은 부서별/사업별로 복수 발급이 가능합니다. 단, 사용자 편의 등을위해 기관 계정 관리자 1인이 복수 계정의 발급을 신청한 경우, 승인 불가합니다.
3. ‘회원’ 계정은 신청인이 속한 기관명/부서명/사업명 등의 한글로 부여됩니다.
4. ‘회원’은 계정 발급 후 최초 로그인 시 비밀번호를 변경합니다.
5. 계정의 비밀번호는 가입 승인된 계정과 일치되는 ‘회원’임을 확인하고, 비밀 보호 등을 위해 ‘회원’이 정한 문자 또는 숫자의 조합을 의미합니다.
③ ‘지지씨’ 가입 신청 방법은 내부 방침에 따라 변경될 수 있으며, 가입 신청에 관한 구체적인 내용은 지지씨 누리집에서 확인할 수 있습니다.
④ 경기문화재단은 다음 각호에 해당하는 신청에 대하여 승인 불허 혹은 사후에 계정을 해지할 수 있습니다.
1. 과거 회원자격 상실 회원. 단, 경기문화재단과 회원 재가입 사전 협의, 승인받은 경우는 예외로 함
2. 정보의 허위 기재, 저작권 등 관련 법률을 위반한 저작물 게시 등 제반 규정을 위반한 경우
⑤ ‘회원’은 회원자격 및 지지씨에서 제공하는 혜택 등을 타인에게 양도하거나 대여할 수 없습니다.
⑥ ‘지지씨’는 계정과 생산자료의 효율적인 관리를 위해 〔별표〕에 따라 ‘회원’을 구분합니다. 회원 구분에 따른 이용상의 차이는 없습니다.
제5조(회원 정보의 변경)
① ‘회원’은 언제든지 가입정보의 수정을 요청할 수 있습니다. 기관명, 부서명 등의 변경에 따른 계정 변경도 가능합니다. 단, 계정 변경시에는 계정(신청/변경)신청서를 다시 작성, 제출해야 합니다.
② ‘회원’은 계정 신청 시 기재한 사항이 변경되었을 경우 전자우편 등 기타 방법으로 재단에 대하여 그 변경사항을 알려야 합니다.
③ 제2항의 변경사항을 알리지 않아 발생한 불이익에 대하여 재단은 책임지지 않습니다.
제6조(회원 탈퇴 및 정지‧상실)
① ‘회원’은 지지씨 공식 전자메일, 전화 및 경기문화재단이 정하는 방법으로 탈퇴를 요청할 수 있으며 경기문화재단은 ‘회원’의 요청에 따라 조속히 탈퇴에 필요한 제반 절차를 수행합니다.
② ‘회원’이 탈퇴할 경우, 해당 ‘회원’의 계정 및 가입 시 작성, 제출한 개인정보는 삭제되지만, 탈퇴 이후에도 등록자료는 ‘지지씨’에서 검색, 서비스됩니다.
③ ‘회원’ 탈퇴 후에도 재가입이 가능하며, 탈퇴 전과 동일한 아이디를 부여합니다.
제7조(생산자료의 게시와 활용)
① ‘회원’은 글쓰기페이지(www,ggc.ggcf.kr/ggcplay/login)를 통해 계정의 아이디와 비밀번호를 입력, ‘지지씨’에 접속합니다.
② ‘회원’은 ‘지지씨’ 에디터 프로그램을 활용하여 해당 기관의 문화예술 관련 자료를 게시 및 수정, 삭제할 수 있습니다. 단, 사업의 일몰, 기간의 종료, 추진부서의 변경 등의 사유로 삭제는 불가합니다.
③ ‘회원’은 ‘지지씨’에 게시한 해당기관의 자료를 뉴스레터, SNS 등 온라인 매체로 확산, 활용할 수 있습니다. 단, 타기관의 자료를 사용하는 경우 사전 사용 협의 및 출처를 밝혀야 합니다.
④ ‘회원’의 게시물은 도민 문화향수 확산을 위해 출처를 밝히고 뉴스레터나 SNS 등의 채널에 가공 없이 활용될 수 있습니다.
제8조(회원의 아이디 및 비밀번호의 관리에 대한 의무)
① ‘회원’의 아이디와 비밀번호에 관한 관리책임은 ‘회원’에게 있으며, 이를 제3자에게 제공할 수 없습니다.
② ‘회원’은 아이디 및 비밀번호가 도용되거나 제3자가 사용하고 있음을 인지한 경우, 이를 즉시 경기문화재단에 알리고 재단의 안내를 따라야 합니다.
③ 본조 제2항의 상황에 해당하는 ‘회원’이 경기문화재단에 그 사실을 알리지 않거나, 알린 경우라도 경기문화재단의 안내에 따르지 않아 발생한 불이익에 대하여 경기문화재단은 책임지지 않습니다.
제9조(회원의 개인정보 보호에 대한 의무)
① 경기문화재단은 지지씨 계정 신청시 수집하는 개인정보는 다음과 같습니다.
1. 계정 관리자 이름 2. 사무실 연락처 3. 담당자 전자메일
② ‘회원’의 개인정보는 「개인정보보호법」 및 경기문화재단 개인정보처리방침에 따라 보호됩니다.
③ 경기문화재단 개인정보처리방침은 ‘지지씨’ 누리집 하단에 공개하며, 개정시 그 내용을 ‘회원’의 전자메일로 알립니다.
제10조(사용자 권리 보호)
① ‘회원’의 게시물이 저작권 등에 위배될 경우 경기문화재단은 사전 협의나 통보 없이 바로 삭제조치합니다. 이와 관련한 분쟁은 「저작권법」 및 「공공기록물 관리에 관한 법률」 등을 따릅니다.
② 경기문화재단은 ‘회원’의 게시물이 타인의 권리를 침해하는 내용이거나, 관련 법령을 위배하는 등지지씨의 운영 정책에 부합되지 않는 경우, ‘회원’과 협의 없이 삭제할 수 있습니다.
‘지지씨’의 게시물로 기관의 명예훼손 등 권리침해를 당하셨다면, 경기문화재단 지지씨멤버스의 고객상담(VOC)을 통해 민원을 제기할 수 있습니다. 이는 (사)한국인터넷자율정책기구(KISO)의 정책 규정을 따라 처리될 것입니다.
본 약관은 경기문화재단 대표이사의 승인을 얻은 날부터 시행됩니다.
대분류 | 외부기관 | 경기문화재단 |
---|---|---|
중분류 | 뮤지엄(박물관,미술관)/협회/문화예술공공기관/시군청 담당부서 등 | 본부/기관 |
아이디 | 사업부서명/사업명 | 사업부서명/사업명 |
글쓴이 노출 | 아이디와 동일(한글) | 아이디와 동일(한글) |
콘텐츠 등록/수정 요청
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경기도미술관
MUR/MURS, la peinture au-delà du tableau
2018-04-19 ~ 2018-06-17 / Project Gallery in Gyeonggi Museum of Modern Art
■ Overview
Gyeonggi Museum of Modern Art holds Mur/Murs, la peinture au-delà du tableau as its first project exhibition in 2018, where you will be able to find murals created by French artists. The eight artists from France created their murals directly on the wall of the gallery to introduce French contemporary art from different angles. Having existed only as the background of pieces of art, the walls of the exhibition hall become core elements to the paintings through the various artistic practices of the artists.
From the late 1960s to the early 1970s in France, an artistic movement called Support-Surface saw the day. It allowed the study of the painting through its deconstruction. The participating artists in Mur/Murs, la peinture au-delà du tableau continue to inquire what the painting is, with their creative and fundamental study of the painting, inside and outside of the canvas. Their experiments of the painting go beyond the frame onto the walls and into space. They either produce the world of abstract and supernatural images with their painting and drawing or engrave the images by making cracks on the wall or with soot.
In the exhibition hall, where the walls become the painting and the paintings are the walls, visitors can approach the works and have new visual and perceptual experiences that go beyond their range of vision by walking through the murals. In Mur/Murs, la peinture au-delà du tableau the form, color, and traces of artistic movement are maximized in the murals and give the visitors an opportunity to intensively think about what an image is in today’s world flooded with virtual reality, symbols, and images.
■ Main works and Artists
Emilie Satre, Loose, 2018, paint on wall
©2018IllésSarkantyu
Emilie Satre paints the mural through promenade, her own practice of painting. The forms made of colors and fields continue linearly following the artist’s movement. Her mural is her trace. Connected and overlapped, the forms do not describe any external objects, but are constructed in a spontaneous and coincidental way, appearing on the wall in an abstract pattern. The elements of the drawing may seem like shapes that are mechanically repeated, and yet they are not specifically measured, but manually drawn one by one. They are the trace of handicraft work in an organic flow, piling up the temporal development of the working process. What makes the shapes a masterpiece is the drawing itself without being fettered by any rule or doctrine, the journey and the moments. Far from the painting that shows a closed conclusion, her drawing moves freely like wind, infusing life in the color, line, and bulk.
Janos Ber, No Title, 2012-2018, acrylic on canvas
©2018IllésSarkantyu
Janos Ber does not paint on a canvas placed on an easel, but instead, he lays the canvas cloth on the ground and draws lines with a huge brush. The artist leans his body close to the canvas in order to paint rhythmic lines with intervals. He excludes any specific explanation, artificial composition, or literary modification, and makes traces with unconscious and coincidental movements. The making process, with its repetitive bodily motions, resembles that of asceticism. There is no hierarchical logic in his work. White, the background color between the lines, is not simply a background. It is an important element that enables the colored lines to exist and one that transforms into another form of line, connected to the colored lines. Not only the lines come into view against the white background, but the white background itself appears as another shape between the lines, making the lines also become the its own background. This relationship between the colors may remind viewers of Orientalism.
Olivier Nottellet, Hard Wall, Sweet Home (Painting Writes Me), 2018, paint on wall
©2018IllésSarkantyu
The space made of Olivier Nottellet’s mural makes the viewers direct their attention to the bright yellow wall and black drawing. With the abstract colored fields and forms, the silhouettes simultaneously speak to the viewers in different ways. Black silhouettes appear like heroes on theatre stages against the wall that looks like a frame between the huge yellow and white sides. The strange black silhouettes entering the abstract screen seem somewhat familiar but not easy to define. For visitors, viewing those black silhouettes will be the chance to contemplate, making stories based on their imagination or pulling out memories of some forms they have seen. As so, the artist provides the visitors with hints, giving them a more playful way of contemplating art. While not reproducing the landscape in a tricky way, but arousing the active imagination of the viewers here and there on the wall, the artist works like a film director who edits the scenes, utilizing the wall and space as a huge frame.
Christian Lhopital, A Kind of Mind – Viewed by Soul, 2018, graphite powder on wall
©2018IllésSarkantyu
Filling the whole wall with graphite drawing, the paintings of Christian Lhopital embody images such as clouds in the shape of weird plants, ghosts, or extraterrestrial beings. This hits one with the feeling of déjà-vu from one’s dream, or the sense of a supernatural and mysterious experience. The comical and humorous images intertwined and connected with grotesque images, like those of the devils in medieval cathedrals, form a world that seems to be in motion. The artist is good at freely and spontaneously drawing the uncanny figures that are likely to be in the imagination of youths or in myths. Resembling animated films that inspire movement by connecting stationary pictures, the artist arouses the phantom of an unreal world by her continuously ongoing, transforming, and rhythmical painting.
Michel Duport, Forms Without Quitting the Piece of Painting :
Wall Arrangement, 2018, colored and paper on wall
©2018IllésSarkantyu
The abstractly colored fields and the reliefs deliver a sense of volume, showing the characteristics of both the two-dimensional painting and the three-dimensional sculpture. Michel Duport has focused on the arrangement methods of canvas frames on colored walls in the 19th century, applying the composition and the tone of the background wall to the abstract art. The clear contrast between the achromatic colored wall and the primary colored reliefs reveals the intersection point of the painting and the sculpture. The reliefs have a form similar to those that can be seen in cubist paintings, where the structure of objects are analytically expressed – paintings of a combination of disconnected shapes. The artist avoids making his work voluminous by describing the painting so, but put in reliefs as real lumps that meet the flat painting. In front of his protruding work, visitors can take an active viewpoint by moving from the colored surface to the sides of the reliefs, not looking through a perspective that goes into the canvas. For the artist’s painting, the wall takes an important role as a real chunk and surface in space.
Claire Colin-Collin, No Title, 2018, paint on wall
©2018IllésSarkantyu
Claire Colin-Collin paints a first layer, removes the paint and paints over it again, making her 2D piece of painting into a picture with weight. In this exhibition, the artist makes cracks in the wall using cracks of old oil painting as a motif. The clefts on the wall made by the chisel are filled with colors. Repeatedly scraped and plugged, the wall turns into a mural accumulating the traces of time, similar to wrinkled skin. While, the lines in the painting suggest the time that it took for the painting to be complete, they are not tools that represent or describe the external object, but a part of the mural that proves the life of the painting. Engraving shapes through the creative action of forging wounds into the wall is not possible on the canvas, and it reminds the basic human desire for painting as seen with the primitive murals in caves.
Soizic Stokvis, Linear, 2018, paint on wall
©2018Patrick Chapuis
Born in the Netherlands and having spent her childhood there, Soizic Stokvis was influenced by Piet Mondrian, the Dutch abstract painter, and De Stijl, a Dutch artistic movement of geometric abstraction. Having been interested in the city landscape, system and structure, she displays objects in a simplified structure, one that would have been seen from an aerial view of any city. Viewers will see the colorfield area surrounded by straight lines on the white wall. Completing a mural sized geometric abstract painting, the artist shares her experience of facing a huge colored fields. Her work allows the viewers to examine the color and the form, the basic elements of the painting, without decoration. Just as the basic materials for architecture make the framework of a building, the lines and surfaces, the basic elements for making a shape, make the cuboids. The shapes that seem like a combination of lines and rectangular modules are placed in an order, but without a sense of volume or weight, free of the law of gravity. The artist finds out the attributes of signs in abstract art, as when in language consonants and vowels irregularly meet but allow communication.
Christian Jaccard, Wall Burning, Soot Shadows Partition,
2018, combustive gel on wall
©2018IllésSarkantyu
Christian Jaccard makes abstract patterns by using fire to cover the wall with soot. When the movement of fire meets the wall, it produces an abstract painting with cadence and rhythm. This suggests the primitive mural paintings in caves. No conventional painting materials can be found on this wall filled with soot and burnt traces. No paint, no brush were used during the working process, but only the recurrent blazing and extinction of fire. The fire, the combustible gel, and the wall as the painting’s support – The only three tools used become the result of the work themselves. The combustion process evokes the flickering nature of life in a metaphorical and implicit way, just like poetry. Being suggestive of both the providence of nature and the energy that was released during combustion, the fossilized traces of the burnt gel and the wall full of soot create a ritualistic and sublime space.
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